La broma infinita

David Foster Wallace se suicidó a los 46 años. Cuentan las comadres que tenía tendencias suicidas desde hacía años. Había nacido en Nueva York, hijo de dos profesores universitarios ( de filosofía y literatura).

En 1996 , cuando tenía 35 años publicó La broma infinita, considerada por Time como una de las 100 mejores novelas del siglo XX en lengua inglesa ( como si fuera fácil determinar tal ranking). Hasta 2002 no se publicó en España. Wallace publicaba sus cuentos en revistas de amplio espectro, desde Rolling Stone a New Yorker

El tipo era un cruce entre tenista de Máster series ( de cuyo deporte era un consumado especialista) y Brad Pitt.  Su obra maestra contaba ( a lo largo de más de  1200 páginas, innumerables disgresiones y notas diversas), un escenario futuro en el que el mundo está dominado por la  ONAN ( no pensar mal, significa Organización de Naciones Americanas, lo que incluía Estados Unidos, Canadá y Mexico) . Un país, el de ONAN, adicto a todo tipo de drogas, con los correspondientes grupos de autoayuda y desintoxicación. Pero la mayor droga de todas en aquel alucinado país, no es otra que el entretenimiento, en el que  la televisión juega un papel clave. Como se ve, Wallace no iba descaminado.

En ese mundo surrealista las grandes empresas son las que patrocinan los años que pasan, dándoles nombres diversos ( la novela comienza por ejemplo en 2008, año de Glad, una marca de plásticos).

En la Broma infinita aparecen tipos como Johnny Gentle, un ex cantante obsesionado por la limpieza que gobierna ONAN, o Hal Incadenza, maestro tenista que memoriza el diccionario Oxford o Joelle Van Dyne , MMLDTT  ( la mujer más linda de todos los tiempos).

Como en tantas otras ocasiones que ya hemos comentado, en el fondo el título está sacado, una vez más, de Hamlet y en especial del monólogo de éste con el cráneo de Yorick.

La adicción, tema fundamental de la Broma infinita era para Wallace (en una entrevista para el Pais de hace ya bastantes años) una manifestación más del malestar de una cultura en términos freudianos. Para él nuestra relación con la realidad está brutalmente mediatizada por la tecnología ( Internet incluido) y los medios audiovisuales, esencialmente la televisión. Y creo que es difícil de discutir que ellos determinan en buena parte nuestra visión personal del mundo

Publicó también un buen número de relatos de título sumamente interesantes ( Breves entrevistas a hombres repulsivos o Historia abreviada del infinito por poner dos ejemplos)

Wallace decía que la buena literatura es la que te hace sentir un nudo en el estómago. La suya lo hacía.

It’s only a paper moon

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Murakami

“Tenía unas orejas pequeñas y rosadas que parecían recién hechas, y a las que acabaran de quitarle el polvo con un cepillo blando. Más que para oír sonidos reales, habían sido creadas desde un punto de vista puramente estético. Al menos así las veía Tengo. Y la armoniosa y esbelta nuca que se extendía por debajo resplandecía como una hortaliza cultivada bajo muchísima luz…Era la primera vez que la veía con el cabello recogido; un espectáculo de una intimidad y hermosura pasmosas”.

1Q84. Haruki Murakami.2011.

Un día Tengo rescató en el laboratorio a Aomame de las burlas de sus compañeros de clase. Tenían diez años. Aomame no le dijo nada. Solamente le cogió la mano de una forma especial. Al acabar el curso se separaron y no volvieron a verse nunca. Ella es una asesina reputada que mata solo a gente que merece morir por sus malas acciones. Él es un excelente  profesor de matemáticas de instituto, que hace de “negro” (escribe y corrige textos de otros) en sus ratos libres. Ninguno es capaz de enamorarse de nadie más, porque el vínculo que se estableció aquel día, cuando tenían diez años, al cogerse la mano, es demasiado fuerte. Se buscan pero nunca se encuentran.

A su alrededor el mundo cambia de forma imperceptible sin que casi nadie se de cuenta. Un día alguien cambió las agujas de la vía por la que circulaba el tren del mundo. Y en vez de dirigirse a 1984 (el año de la novela inolvidable de Orwell) se adentró en los confines de 1Q84. Un mundo con dos lunas en el cielo. En el que la Little People ( serecillos pequeños que se despliegan como bastones extensibles hasta llegar a un tamaño de 60 cmts), salen de la cabeza de una cabra ciega, a la que una niña mató sin querer. Eran seis, pero acabaron siendo siete para asimilarse en número a los siete enanitos. En vez de Gruñón, Sabio o Mudito, pueden  llamarse Barítono, Tenor o Burlón, tipos que crecen como las setas con la lluvia.Percibir 1Q84 está solo al alcance de personas con especial sensibilidad. Como Tengo y Aomame. En él es posible que exista una ciudad en la que los gatos llegan por la noche y levantan los cierres de las ferreterías.

No he tomado ninguna sustancia alucinógena. Simplemente he leído el último libro de Murakami, los tomos 1 y 2 de 1Q84, que me tendrá descentrado hasta que decida publicar los tomos 3 y 4. En él aparecen sus habituales obsesiones: la belleza de las orejas, el peso del destino, los gatos, las referencias musicales continuas enlazadas con la trama de forma indistinguible ( en este caso It’s Orly paper moon esencia en cierta forma de la novela), las recetas sencillas de sofisticados platos japoneses, . O unos títulos de capítulos que parecen “haikus” ( “con sigilo, para no despertar a la mariposa”, “seamos felices o desdichadas”, “el tiempo transcurre de manera irregular”,” un ratón se encuentra a un gato vegetariano”.”ponga un tigre en su automóvil”…).

Mi hermano, el que me introdujo en este alucinado vicio del murakamismo, divide su obra en dos tendencias: los relatos fantásticos, y los de un romanticismo extremo. 1Q84 posiblemente sea por fin la confluencia de las dos tendencias.

El escritor Jesús Ferrero hizo la crítica de la novela en el Pais. Venía a resumir que no era más que una mala copia de la trilogía de Larsson. Me recuerda a la cruz que le cayó a Torrente Ballester cuando le decían que la Saga /Fuga de JB ( una de las mejores novelas españolas del siglo XX) era un plagio de Cien años de Soledad de García Márquez. De la misma forma que estas dos coincidían en la aparición de lo fantástico, la novela de Larsson y la de Murakami lo hacen en que aparecen tipos depravados ( que al final se llevan su merecido). Como en otras diez mil novelas , claro.

1Q84 habla de imágenes. Como dice uno de los protagonistas de la novela: “ La gente necesita esas cosas para seguir viviendo. Imágenes que no puedan explicarse con palabras, pero que son relevantes. En cierto sentido vivimos para conservar ese algo”

Ángeles caídos

Veo en el pincel
amarillenta luz, la del café
Aires del campo que respiran lienzos y papel
Lámpara de alcohol
estrella quieta de tu habitación
“…El cielo con las manos”
dejó de ser una expresión
Oculto tras el girasol
anida un sueño de impotencia
Culpable y fiel a tu dolor
Violado por el ángel caído que
vive en el pincel
Peinando trigo, desgarrando piel
Pintando autorretratos
y así poderse conocer
Hijo del color
que en el silencio ahogó su propia voz
Señor del mundo en el que hoy vivimos tú y yo
Oculta en sombras de farol
se agita oscura la conciencia
Culpable, fiel a tu dolor
Violada por el ángel caído que
vive en el pincel…

El Angel caído. Antonio Vega.

El 23 de marzo se inauguró en Madrid la placeta de Antonio Vega, en Malasaña,  muy cerca del Penta, el bar que representa en buena medida a Nacha Pop y a parte de la trayectoria vital de Antonio. Un par de semanas después , el 8 de abril se estrenaba “Morente, el barbero de Picasso” un documental sobre el cantaor dirigida por Emilio Ruiz Barrachina, y en la que Morente interpreta una versión escalofriante de El Angel Caído de Antonio Vega.

La primera vez que escuché esta canción fue en uno de los conciertos malditos de Antonio Vega, en 1997. En aquella época me entró la obsesión de acudir a cada concierto suyo que se programaba en Madrid, lo que constituía un ejercicio bastante masoquista: algunos se suspendían, en otros sus condiciones dejaban bastante que desear; desde problemas de voz a extrañas tendinitis que le impedían tocar la guitarra, instrumento en el que había sido posiblemente de los mejores de aquella generación, y que solo volvería a recuperar plenamente poco antes de morir, hace ahora dos años. En aquel entonces afortunadamente tenía de permanente escudero a Nacho Béjar para cubrirle las espaldas y sus ausencias guitarreras.

Cuando la tocó por primera vez en un concierto ( creo que  en el Pabellón de Deportes) aún no estaba publicada. La presentó como una de las canciones de un próximo disco, que se llamaría Anatomía de una Ola. Cuando al final se publicaban los discos de Antonio Vega, a uno le quedaba la decepción de haber esperado años para apenas 30 minutos de música, pero esos discos tan rácanos, siempre escondían  joyas. Y ésta era una de ellas, aunque rara vez la incluía entre sus grandes éxitos. Aquel día contó que iba a cantar una nueva canción, inspirada en la pintura de Van Gogh, otra de las aficiones del artista.

Antonio Vega coincidió con Enrique Morente y Camarón durante la grabación de la Misa Flamenca. Estremece saber que estuvieron juntos tantos genios. Debió ser una confluencia de astros. Antonio siempre tuvo mucho tirón en el mundo flamenco. Su versión del Romance de Curro el Palmo, la maravillosa canción de Serrat, fue admirada y versionada múltiples veces.

Morente había tocado recientemente en el concierto homenaje a Antonio  en el Palacio de los Deportes de Madrid, donde hizo una versión impresionante del Angel Caído.El día antes de ingresar en el hospital, del que ya no saldría vivo, Morente había visitado la estatua del mismo nombre en el Retiro madrileño, y por la tarde grabó con Federico Lechner en una sola toma, sin ensayo previo, la versión de la canción de Antonio, la última canción que grabó en su vida. Sorpresas del destino que la última canción de uno de los más grandes del flamenco fuera una canción de un músico de rock. Otra forma de reírse de los puristas, algo que Morente llevaba haciendo toda la vida, desde los años en que grababa con Lagartija Nick.

Lechner, un magnífico pianista de jazz,  había suspendido un concierto en Albacete, y estuvo un día entero afinando cuidadosamente el piano para tal ocasión. Quizá intuía que sería siempre una grabación legendaria.

Emilio Ruiz Barrachina lo cuenta de forma magistral en su documental. Una maravilla que nadie debería perderse.

Record Store Day

” En las tiendas de discos trabajan profesores. No reemplacen a los que saben por los que se supone que saben. Ellos son el sonido de la ciudad.”

Tom Waits

Estuve en Sao Paulo en Banana Music , una cuidada tienda sin apenas vinilos ( en Brasil por desgracia aún no ha llegado la ola de retorno al viejo disco negro), pero con una increíble colección de música brasilera.

Y como dice Waits, allí había un par de profesores encantados en asesorar a los legos en nuevas estrellas de esa fuente inagotable de buena música que es siempre Brasil. No imponen, solo recomiendan o seducen a través de la simple escucha de lo que ellos miembros proponen. Nos enteramos por ellos que el mejor disco de la década fue el primero de Ceu ( de quien hablábamos ayer), de que el último de Adriana Calcanhotto es excelente o de que Paula Morelenbaum, (la que grabó aquella maravilla llamada Casa con su marido Jacques y un inspirado Riuychi Sakamoto) acaba de sacar un disco fastuoso. De todos ellos hablaremos.

Total, que uno sale cargado de primicias de la tienda , más ancho que largo. A lo largo de todo el mundo, de Estados Unidos a Brasil, de Canadá a Copenhagen, sobreviven los últimos profesores de esta delicada asignatura llamada Recordstore Based Education ( RBE): la formación de un cierto gusto musical a través de muchas horas de práctica sobre el terreno de los expositores de discos.

Especie amanazada por las radiofórmulas, las descargas indiscriminadas y la avaricia y falta de criterio de buena parte de las discográficas, dedicadas a humillar y explotar a los artistas , y obtener beneficio a cualquier precio.

Precisamente por ello , ayer se celebró en todo el mundo el Día de la Tienda de Discos, evento que lleva celebrándose desde 2007 , en un desesperado intento de alzar la voz por esta especie en vías de extinción. Este año España se ha unido también a la iniciativa.

Para celebrar tan señalado día Neil Young se pasó por Plan 9 en Ritchmond, donde dejó alguna copia de su nuevo disco, A Treasure, que saldrá en vinilo el próximo 24 de mayo, y del que también informaremos oportunamente.

Los grandes sí que reconocen el excelente trabajo de los “profesores” de las tiendas de discos.

(Fotografía: Nuggets Record Store en Boston)

Record Store Day Promo 2011 from zach christy on Vimeo.

Ceu

Aprovechando un viaje de trabajo a Brasil pregunto a los compañeros brasileros sobre quien es el cantante o grupo más recomendable ahora mismo aquí. La pregunta es de por si algo estúpida , porque depende del estilo que te guste , claro. Si acotamos la estrategia de búsqueda con los términos “jazz o bossa o rock o pop” , en la respuesta siempre aparece un nombre en todos los encuestados. Ceu ( Cielo).

Con el derroche de todo tipo de talentos que tienen este país, algo especial debe de tener para que gente muy distinta reconozca la singularidad de su trabajo. No es casual que se considere que desde Astrud Gilberto nadie había tenido una irrupción tan arrolladora en la escena musical, o que nada menos que Caetano Veloso la considere el futuro de la música brasileña.

Ceu cumplirá 31 años mañana. De familia muy musical ( su padre es arreglista y compositor) , sus canciones ( casi siempre escritas por ella misma) son un curioso cóctel de bossa, hip hop, reggae y música tradicional brasilera. Entre sus influencias Billie Holliday, Ella Fitzgerald,  o Erika Baddu. Pero tiene también una importante influencia de la música tradicional brasileña, desde la música paulista al candomblé.

Sao Paulo ha desplazado claramente a Río como centro del laboratorio musical brasileño. Allí Ceu nació y  estudió teoría musical, aprendiendo a tocar el violaô, la guitarra tradicional brasileña.De ahí marchó a Nueva York donde mientras trabajaba limpiando en las casas, continuó desarrollando sus habilidades musicales: fue por el jazz y acabó aprendiendo hip hop.  En 2005 publicó Ceu, su primer disco, al que siguió un EP en 2007. Pero sin duda Vagarosa , su disco de 2010, es el que la ha convertido en una de las cantantes más importantes de Brasil en estos momentos.

La grabación del disco (algunos de cuyos momentos se muestran en el DVD de la edición especial9 pone de manifiesto la importancia que tiene la percusión en su música , y en la música brasilera en general. Cuatros baterías distintos, ( cada uno con una técnica de percusión muy diferente) y tres percusionistas, además de tres bajistas y un DJ  para completar la sección de ritmo. Junto a ellos apenas dos teclistas y un guitarra, además de la prodigiosa voz de Ceu.

De la mano de Starbucks y su cadena de CDs entró en el mercado americano, que la ha llevado allí de gira por buena parte del país. En España estuvo en el festival La Mar de Músicas de Murcia. Esperemos que vuelva pronto.

Haciendo de la duda un arte

Estoy en el ángulo muerto,
es el sitio perfecto, nadie me ve.
Estoy fuera de juego,
batiéndome en duelo lo mismo que ayer
a solas con mis recuerdos,
los falsos y los verdaderos,
si no me ladraran los perros
creería que sueño, nadie me ve,
nadie me ve,
Estoy en ninguna parte,
rozando el desastre, sin nada que hacer.
Estoy flotando en el aire,
supongo que sabes que abajo no hay red.
Sentado a la diestra del padre,
esperando la luna de Cáncer,
haciendo de la duda un arte,
planteándome en serio volver a nacer,
volver a nacer

En el ángulo muerto. Lapido.2008

Había celebrado un concierto en Granada hacía solo unos meses, justo antes de navidad, en un auditorio elogiado por su excelente acústica: el Teatro Caja Granada Isidor Márquez. Dicen los que tuvieron la suerte de verlo que el sonido fue impecable, lso colaboraciones de lujo ( Quini Almendros, de la Guardia, en el pedal steel o Miguel Ríos cantando un par de canciones,) y el ambiente más propio de una misa, por el fervor con el que se recibían sus canciones de 30 años ya de historia. Pero entre sus cualdades no está precisamente la de hacerse propaganda ,por lo que buena parte de Granada se quedó con las ganas de verlo.

El  sábado volvió a dar otro concierto en Granada, sin colaboraciones especiales y ( otra vez) sin un solo cartel que anunciara el concierto en las paredes de  su ciudad. Aún así la Industrial Copera estaba llena de su gente, la que se sabe cualquier canción de memoria y que, como señalaba uno de los asistentes en Granada Hoy “ Cuando vas a un concierto de Lapido no vas a oirle cantar, vas a cantar tu y a corear con todo el público sus canciones”.

El sonido no era como el del Auditorio posiblemente, pero sus limitaciones son solo achacables al recinto. A la hora prevista se subió al escenario y comenzó a repartir versiones de tantos años de música, sin decir apenas nada ( ya lo decían sus letras y su público).

Lapido es un tipo atípico. Aunque acaba de publicar un disco ( De sombras y sueños del que ya hablamos el día de su publicación), su concierto no fue un disco promocional al uso, donde se toca todo el contenido del mismo, con algún regalo añadido de sus grandes éxitos. Por el contrario se asomó a la bandolera en que guarda las canciones y fue sacando sin mayor orden aquellas que más le apetecía tocar: una del último, otra de la época de 091, otra del Música Celestial, alguna de En otro tiempo , en otro lugar ( increíble la versión de Escrito en la Ley).

Más de dos horas, sin apenas descansos. Tampoco presentó a los músicos. Parece que no hacía falta, porque Popi Gonzalez a la batería, Paco Solana al bajo, Raul Bernal desde el órgano Hammond y Victor Sánchez a la guitarra, llevan mucho tiempo de escuderos.

Fue simplemente un impresionante concierto de guitarras y de buenas canciones.Cuando alguien acaba teniendo un repertorio tan inmenso, debe resultar difícil elegir que cantar y que dejar para otra ocasión. Yo eché en falta más canciones de Cartografía, para mi uno de los mejores discos españoles de la década. Pero supongo que los que estuvimos hubiéramos hecho seiscientas listas distintas.

Si Lapido no fuera de Granada, y hubiera nacido en una pequeña ciudad del medio oeste, posiblemente estaría dando conciertos en estadios mastodónticos, y con varios directores de cine de postín para grabar alguno de sus conciertos y hacer una película.Alguien del nivel de John Hiatt,  Tom Petty o Roger McGuinn.Pero es de Granada. Y tiene  que grabarse y producirse los discos desde su propia productora, Pentatonia Records. No le quedó otra. Aún así, y mientras aguante, cada vez que decide salir del ángulo muerto, merece la pena salir corriendo a comprar la entrada.

(Foto extraida de la Estrella Nazarita)

 

 

¿Y para cuando una asignatura de rock’n roll?

Si este país quisiera  dar un salto cualitativo en innovación de cualquier tipo debería introducir asignaturas transversales en todos los currículos universitarios. Por ejemplo Narrativa , o Poesía,  o Historia y aplicación del cine. Todas ellas indispensables para una auténtica innovación.

Y por supuesto, historia de la música clásica. Cuando hablo de música clásica me refiero, por supuesto, a la historia del blues, el jazz, el soul, el pop y evidentemente el rock’n roll.

Muchas de las letras del rock son de una profundidad al nivel de muchos de los aforismos de la filosofía clásica , incluidos los título de muchos discos ( ,¿se puede decir más con menos palabras que en el  “Everybody knows this is nowhere” de Neil Young?).

Por no hablar de las enseñanzas que aportan las biografías de muchos de los tipos que cayeron en la cuneta o todavía sobreviven milagrosamente, desde Charlie Parker a Jaco Pastorious, de Miles Davis a Keith Richard, de Joe Strummer a Van Morrison.

Por su complejidad de montaje y el hondo significado que luego representaron para mucha gente, los grandes conciertos de la historia del rock aportan un valor de aprendizaje especial. Recordar como se montó el Concierto para Bangladesh, el mítico de Woodstock, el último concierto de la historia de The Band ( con lo más parecido al Olimpo de los dioses del rock sobre un escenario) , los montajes monográficos de Pink Floyd o la historia del Espárrago que veíamos hace unos días suponen una experiencia educativa difícilmente igualable.

El último trabajo de la última promoción de artistas ( lo son muchos de ellos) de nuestro Máster nos ha permitido revisar algunas de las películas que sirven para comprobar lo interesante y educativo que es organizar un concierto. No es una lista exhaustiva ( pero podría serlo con la ayuda de los lectores de este blog), Son solo cinco películas para aprender en un fin de semana perezoso (aunque deberían tener el mismo reconocmiento que veinte horas de matemáticas)

Por orden cronológico comenzaríamos por el primer Woodstock de 1970 dirigida por Michael Wadleigh. Un documental extenso sobre lo que fue el primer gran concierto multitudinario de rock, con un cartel que quita el hipo: Canned Heat, Crosby, Stills & Nash, , Jimmy Hendrix, Arlo Guthrie, the Who, Jani Joplin , la Jefferson (Airplane) o Santana por poner solo algunos nombres.

Podríamos seguir por el extremo opuesto, la narración de la organización de este concierto, dirigida por Ang Lee en 2009 ( casi 40 años después), la recomendable Taking Woodstock ( Destino: Woodstock). Y seguir con El Concierto de Radu Mihaileanu también de 2009, aunque aborde otro tipo de música ( más respetable).

Y para  acabar dos joyas de Scorsese. La primera The Last Waltz sobre el último concierto de The Band con todos sus amigotes en escena ( Bob Dylan , Van Morrison, Muddy Waters, Eric Clapton, Joni Mitchel, Dr John, y un distinguid etcétera que incluye a Ron Wood y a Ringo). Y por supuesto Shine a Light la grabación de los Rolling por Scorsese con Clinton de por medio.

Por desgracia Bolonia no ha servido para conseguir estos cambios, por otra parte tan necesarios.

 

Chipirones y ballenas

If love is just a game
How come I’ve never won?
I guess maybe it’s possible I might be playing it wrong
And that’s why every time I roll the dice
I always come undone“

Two atoms in a mollecum

Noah and the whale

Acaba de publicarse Last night on earth, el ultimo disco de una panda londinense de corto, pero interesante recorrido. Responden al nombre de Noah and the Whales y de uno de sus primeros “spin-off” Laura Marling (que estuvo de cantante en el grupo) , ya hemos hablado en este blog.

El nombre es resultado de la combinación de una de sus películas favoritas ( el calamar y la ballena) y el nombre de su director ( Noah Baumbach), lo que da ya una idea de lo trastornada que puede estar esta gente.Para el que no les conozca hacen una especi de anti-folk en el que buena parte de sus letras son de un cinismo exagerado.

En su My Space buena parte de sus comentarios caban con el Sic Transit ( Gloria Mundi) que parece indicar una veta trapense que esconden en sus canciones.

Tras un curioso primer disco ( Peaceful, the World lay me down) publicaron el Segundo en pleno proceso de crisis ( Laura Marling les había abandonado para comenzar su carrera en solitario y Doug Fink les dejaba para comenzar una incierta carrera de medicina). El trabajo fue recibido de forma desigual por la crítica: para muchos fue uno de los mejores discos del año; para otros un desbarre que les alejaba de su primer trabajo.Siguiendo con su linea de catastróficas desdichas les robaron todo el equipo en la gira de presentación de su segundo disco en Manchester.Pero inasequibles al desaliento, comenzaron en un parde meses la grabación  de su tercer disco.

Su último trabajo vuelve en cierta forma a sus orígenes: letras más que irónicas, alguna versión estelar ( el Wild Thing de Lou Reed) y un buen montón de guitarras acústicas y harmonías vocales

Y si el amor es sólo un juego
Entonces ¿cómo es que no es divertido?
Si el amor es sólo un juego
¿Cómo es que nunca he ganado?

No hay dudas que los tipos tiran con bala…

 

La tumba de Yeats

One should say before sleeping:I have lived many lives. I have been a slave and a prince. Many a beloved has sat upon my knee and I have sat upon the knees of many a beloved. Everything that has been shall be again.

Uno debería decir antes de dormir:“ he vivido muchas vidas. He sido un esclavo y un príncipe.Muchas personas amadas se sentaron en mis rodillas. Y me senté en las rodillas de muchas personas amadas. Todo lo que ha sido será de nuevo.

W.B. Yeats.

Por primera vez en traducción completa al español, Los Poemas Reunidos de Yeats en la traducción del esforzado Antonio Rivero es, sin duda uno de los libros del 2010.

La influencia de Yeats es inmensa, mucho más allá de la poesía. No hay que olvidar que John Ford tomó de uno de sus poemas el nombre de Innisfree, el inolvidable pueblo del Hombre Tranquilo.

O que Yeats siempre ha sido el poeta favorito del irascible Van Morrison. En el disco A sense of Wonder de 1985, Van The Man incluyó en las primeras copias prensadas Crazy Jane on God, compuesto sobre el poema de Yeats. Los herederos de éste se negaron , lo que llevó a Van Morrison ha decir aquello de que sus letras eran mejores que las de Yeats.

Pero a pesar de ser uno de los mejores letristas del rock, él sabía que no era cierto. Y en su disco del 86 No guru, no method no teacher ( toda una declaración de principios) incluyó, entremezclada en la letra de Here comes The Knight el epitafio de la tumba de Yeats extracto de uno de sus poemas:

Here come horsemen through the pass
They say cast a cold eye on life, on death
There’s a battle for the throne
And it means to thine own self be true
And it says this love will surely last forever
This love will surely last always

He sido un esclavo y un príncipe…

Stand by me

When the night has come
And the land is dark
And the moon is the only light we’ll see
No I won’t be afraid, no I won’t be afraid
Just as long as you stand, stand by me

And darlin’, darlin’, stand by me, oh now now stand by me
Stand by me, stand by me

If the sky that we look upon
Should tumble and fall
And the mountains should crumble to the sea
I won’t cry, I won’t cry, no I won’t shed a tear
Just as long as you stand, stand by me

And darlin’, darlin’, stand by me, oh stand by me
Stand by me, stand by me, stand by me

Stand by my. Ben E King

“In the days before rock’n roll” que cantaba Van Morrison se había ido ganando una sólida reputación, uno de los dúos más importantes del soul de todos los tiempos: la pareja formada por Jerome ( Jerry) Leiber y Michael ( Mike) Stoller. Aunque los dos procedían de la Costa Este, se conocieron en el instituto en Los Angeles, el principio de una buena y fecunda amistad como compositores , primero, y productores después. Empezaron a componer canciones para los vocalistas de rhytm’n blues de la época ( éxitos como Real Ugly Woman o Kansas City) antes de comenzar a componer canciones para grupos como The Coasters o The Drifters a través de su productora Spark Records, que acabó comprando la todopoderosa Atlantic.

 Pero el gran éxito  les llegó cuando se convirtieron en habituales suministradores de éxitos para Elvis que éste acabó convirtiendo en  joyas ( Hount Dog, Jailhouse Rock, Santa Claus is back in town). El éxito de la máquina Leiber-Stoller llegó incluso a Francia, donde la incomparable Edith Piaf llegó a versionar alguna de sus canciones ( L’Homme et la moto, variación en francés de Black Denim Trousers and Motorcycle Boots)

A finales de los años cincuenta se había incorporado a los Drifters  un tipo llamad Benjamin King ( Ben E King) que solo llegó a grabar diez canciones con ellos ante sus pretensiones de subidas salariales. King había compuesto una canción llamada Stand by me para que fuera interpretada por los Drifters .Cuenta la leyenda que la melodía procede de una canción góspel que interpretaban allá por los años 50 grupos como las Staples Sisters, el grupo de Mavis Staples de quien hablamos hace unos meses. El caso es que la canción estuvo guardada en un cajón varios años, hasta que buscando nuevo material, ya en solitario, tras el éxito de Spanish Harlem, Leiber y Stoller escucharon a King interpretar la melodía de Stand by me al piano .Acabaron rematándola entre los tres, y no solo fue uno de los mayores éxitos de su carrera ( asombrosamente King sigue dando giras en este mismo año de 2011, 50 años después de aquel éxito), sino que  se convirtió en una de ls canciones más importantes de la historia de la música. El listado de versiones del tema es interminable:  Bruce Springsteen, John Lennon, Jimmy Hendrix, Lez Zeppelin,  Green Day, Sting y hasta freakis como Mohammed Ali o Lady Gaga han acabado por interpretar el tema.

Me quedo con dos versiones especiales. Una , casi inencontrable, de un grupo americano muy poco conocido, la  Pousette Dart Band que hizo una de las más hermosas versiones del tema hace más de treinta años.Pero sobre todo la versión que hicieron el estremecedor Warren Zeavon ( otro que merece comentario aparte) y Stephen King,. Sobre su novela The Body se escribió el guión de Stand by me la magnífica película de Rob Reiner que volvió a poner la canción en órbita,en uno de los papeles más luminosos de River Phoenix

Estos días circula por internet una estupenda inciativa colaborativa: músicos callejeros de todo el mundo, de Sudáfrica a Río, de Barcelona a Estados Unidos ensamblan una preciosa versión de la canción. Indispensable .