Nick Lowe: crónica desde la guardia

You’ve dusted off your shame face
In the mirror behind the bathroom door.
That little-boy-lost look 
That used to work so well
Doesn’t anymore.
If you believe your same-old used-to-be
Will see you through
You’ll last about as long as stoplight roses do.

Stoplight roses
In their sad array.
Love’s promise in cellophane lace
Or dead giveaway?
You’ll need time to devise
A stylish plan
And you’ll do it driving over to
The stoplight roses man.

And if you believe your same-old used-to-be
Will see you through
You’ll last about as long as stoplight roses do.

Stoplight Roses man. Nick Lowe

Ni El Pais ni El Mundo consideraron de interés hacer crónica alguna del concierto que dio Nick Lowe en Madrid la semana pasada. El Pais,  de hecho se ha convertido en un auténtico erial musical , desaparecida Tentaciones y limitada la crítica de discos a alguna critiquilla en Babelia muy de vez en cuando. Ya se sabe que el mercado manda, y prefieren dedicar sus paginas a recordar a Nino Bravo, o a darse autobombo con cobertura de  las habituales basuras del grupo PRISA: la hortera Cadena Dial o los vomitivos 40 principales.

Es cierto que el inmenso talento de Nick Lowe ya pasó por Madrid hace relativamente poco tiempo, la última vez en diciembre de 2011 en un memorable concierto del que informamos en su momento  también en Kapital acompañado de su íntimo escudero Geraint Watkins. Pero un genio siempre es un genio y merece siempre atención, máxime si se atreve a su edad a embarcarse en una gira exigente con la sola compañía de su guitarra. Ante el silencio de los medios menos mal que mi amigo Miguelín  ( al que se le ve el plumero merengón) anduvo por la sala Kapital el miércoles pasado para darnos alguna noticia. Y desde la guardia envió su crónica

 “Anoche vivimos otra jornada gloriosa (lástima que al final se clasificase el Barsa para que la velada hubiese sido redonda) que recordaremos siempre por la personalidad de uno de los personajes vivos al que admiramos desde todos los puntos de vista. Como no admirar a un hombre que se confiesa “vago” y que reconoce que se lo pasa muy bien tocando con otros pero que le sale “carísimo”. Tal sinceridad no puede otra cosa que ser reconocida y envidiada.

Al concierto acudimos “personas selectas” en número y en inteligencia. No todo el mundo puede acudir a eventos como este. Dada nuestra edad y vicios adquiridos, llegamos al concierto una hora y media antes de que comenzase. Hasta Jose salió antes del curro para no perderse ni un detalle, pues era la primera vez que acudía a una cita con Nick Lowe. Hasta las 21,15 no apareció nuestro hombre en el escenario por lo que cayeron 3 cervecitas “ a palo seco”. Por allí vimos a Ramón Arroyo, componente de Los Secretos, y un clásico de estos festejos como es el maestro Santiago Alcanda.

La salida del artista al escenario nos impactó desde el inicio: no se sabía si brillaba más su guitarra o los cristales de su “gafapasta”. En cualquier caso que preciosidad los dos objetos. Salir a un escenario tu solo con una guitarra y sin compañía implica un dominio brutal de la puesta en escena y Nick Lowe lo tiene. Su saber estar, su elegancia en el escenario y su simpatía siempre que viene a Madrid justifica con creces el precio de la entrada, la cual, comparada con otros peores, resulta muy barata.

El concierto duró hora y media aproximadamente e incluyó varios bises. Hizo un repaso fundamentalmente de canciones de sus últimos trabajos, de los LPs “The old magic” y “The impossible bird” con preciosas canciones como “I read a lot”, “House for sale” o “I live in a battlefield” con algún gorgorito impostado que hacía mas divertida su interpretación. Algún que otro pesado sacaba su movil (me incluyo) para poder perpetuar alguna escena lírica.

También tocó una de mis canciones preferidas como es “ Rome wasn’t  built in a day” antes de llegar al clásico “Cruel to be Kind” y finalizar con “Raining, Raining”.

El concierto se me hizo tan corto como el que vimos en Kapital a pesar de que interpretó sin tener que insistir algunos bises tales como “My aim is truth” canción que en su día compuso para Elvis Costello.

En resumen, nuevo caramelo el que degustamos ayer en Joy del que más de un granadino se arrepentirá de no haber visto”.

Como de muestra vale un botón no hace falta más que escuchar Stoplight Roses para comprobar lo que es el talento. Y eso que el tipo es vago…

“Calle Panaéro”

Windin’ your way down on Baker Street
Light in your head and dead on your feet
Well another crazy day
You’ll drink the night away
And forget about everything
This city desert makes you feel so cold.
It’s got so many people but it’s got no soul
And it’s taking you so long
To find out you were wrong
When you thought it had everything

You used to think that it was so easy
You used to say that it was so easy
But you’re tryin’
You’re tryin’ now
Another year and then you’ll be happy
Just one more year and then you’ll be happy
But you’re cryin’
You’re cryin’ now
Baker Street. Gerry Rafferty

Tres de la tarde en la calle Pagés, puerta de entrada al Albaizín. En la terraza del Torcuato conviven vecinos recién salidos del trabajo, turistas asomados a los escasos rayos de sol que esquivaron los oscuros nubarrones, y algunos perroflautas en busca de tapa . Aparece un tipo desaliñado que desenfunda un saxo mugriento y comienza a hilvanar un sorprendente repertorio, más propio del Blue Note en la medianoche, que de una plaza en un barrio tan emblemático del sur de España en la hora del aperitivo: Take five, All the things you are, Baker Street…
Sus acordes me llevan de regreso 35 años atrás, cuando escuché por primera vez la canción de Gerry Rafferty en el selección 15 de Antonio Fernández. Compuesta durante los largos viajes en el tren de la noche que conectaba Glasgow con Londres mientras negociaba la traumática separación con su grupo Steelers Wheel, Baker Street hacía referencia al apartamento de un amigo en el que Rafferty pasaba el tiempo durante sus viajes a Londres. No solo alcanzó el número 1 en Canadá, el 2 en Estados Unidos y el 3 en Reino Unido, sino que desencadenó un furor desconocido por un instrumento semi-olvidado fuera de los circuitos jazzísticos. La canción se abría con el “riff” ya clásico de Raphael Ravenscroft, que era la verdadera seña de identidad de la canción, un tipo bien considerado en las sesiones del Londres de aquellos años. habitual en los discos de Pink Floyd, Mick Oldfield o Marvin Gaye.
La conversación con mi amigo Greg sobre la canción y el album en que fue incluida ( City to city) nos lleva de la mano a otra de las canciones del disco, Right down the line, y a la última versión de ésta incluida en el magnífico último disco de Bonnie Raitt, Slipstream, que ya comentamos en su día.

En esas andábamos cuando se acerca el artista a pasar la bandeja. Tres mujeres en la mesa vecina le felicitan y le preguntan por el nombre de la canción que acaba de interpretar: “Calle panaéro” responde escueto. Tal vez atraído por la charla se acerca precisamente el panaéro, un distinguido perro flauta que vende sus panes artesanales cada miércoles por el barrio.
Creo que el difunto Rafferty estaría satisfecho de la versión albaicinera de su canción

Solo queda la música

Desde hace tres años los alumnos de nuestro Mäster europeo en Salud Pública tienen entre sus tareas la elaboración de un plan de operaciones, una de las tareas más importantes en gestión sanitaria. La mayor parte de las organizaciones abusan de la planificación estratégica, encargando todo tipo de documentos vistosos sobre qué es lo que hay que hacer. Pero a menudo estos acaban durmiendo el sueño de los justos en algún polvoriento cajón. Ya se sabe que una cosa es predicar y otra dar trigo

Aunque no suele utilizarse  habitualmente como ejemplo de caso ideal para la planificación de operaciones , pocos cumplen mejor los criterios que la organización de un concierto. Son experiencias sumamente complejas, en ocasiones con altos presupuestos y altísimo riesgo, por la enorme incertidumbre que llevan asociada: la existencia real de demanda y atracción del cartel propuesto, la coincidencia prevista o no con otros tipos de eventos, las condiciones establecidas por los artistas o las condiciones climatológicas ( en el caso de ser al aire libre).

Para complementar la formación invitamos la semana pasada a clase a Francis Cubero, una de las personas con mayor experiencia existentes en España en organización de eventos musicales de todo tipo ( la última el concierto de Wilco en el Auditorio Rocío Jurado del que informó magistralmente Maite Cruz hace unos meses en este blog).

Francis fue el responsable de organizar la experiencia pionera más importante de organización de conciertos multitudinarios de rock : el Espárrago Rock, inicialmente ideado para festejar la recogida del espárrago en la localidad granadina de Huetor Tájar.

Inspirado en los grandes festivales ingleses como Glastonbury, el Espárrago, creado para animar las fiestas agrícolas de un pequeño pueblo andaluz, llegaron a competir con él en sus años de gloria. Por el pasaron lo más variopinto del panorama nacional ( Dover, Extremoduro, Kiko Veneno, Enrique  Morente, Lagartija Nick,Siniestro Total) e internacional ( Sonic Youth, Public Enemy, Neneh Cherry ,Ice T, Crawnberries, Neil Young…).

En cualquier caso, rara vez un concierto es negocio. Según comentaba Francis el objetivo fundamental es no perder dinero, algo que no es fácil. Satisfacer a los espectadores, aguantar y dar respuesta a los caprichos de los artistas, sobrevivir a las administraciones y conseguir que la insaciable SGAE quede satisfecha es algo muy parecido a la cuadratura del círculo.

Los que somos mitómanos por naturaleza siempre quisimos saber todo de aquellos grupos que nos hicieron tan felices, que nos compusieron las canciones con las que crecimos, amamos, lloramos, reímos…Imaginamos que hay pocos placeres comparables a poder conseguir que tu grupo favorito toque en tu ciudad, tu pueblo, tu país…A si hay suerte, conseguir un autógrafo o una foto.

Pero al igual que pasa con tantos escritores, actores o artistas, la persona que compuso aquella canción sublime a menudo es un necio, un tipo caprichoso e inaguantable cuyos deseos son órdenes con tal de que salga al escenario. Si uno ve el documental de Scorsese sobre Bob Dylan , No Direction Home, se comprueba fácilmente el tipo de imbécil que puede llegar a ser el autor de cerca de una veintena de obras maestras de la historia de la música. Imbecilidad que no parece haber abandonado.

Quizá sea al final mejor, como comentaba Cubero,  conocer lo menos posible a los artistas y limitarse a escuchar la música. Sin más referencias. Yo acabo de escuchar a un tal Chris Stamey, en su Lovsick Blues. No tengo ni idea de donde viene, a donde va o si está solo en la galaxia. Simplemente me gusta

 

canciones de Estepa

Entrar en Radio City una lluviosa y melancólica mañana de finales del invierno y escuchar las canciones del último disco de Bryan Estepa es un placer semejante a tomar un chocolate puro caliente cuando el día se vuelve desapacible.
Para el que no lo conozca aún Bryan no viene del pueblo de los polvorones, sino de las antípodas. El australiano de antecedentes filipinos ( de ahí posiblemente un apellido tan sonoramente hispano) acaba de sacar al mercado en versión CD el cuarto disco en solitario de su carrera, quinto si incluimos aquel EP que publicó con el pseudónimo de Adeline (“Start again”). Y al que siguieron All the bells and whistles (toda una sorpresa en el mundo del pop), Sunday Best,Vessels y ahora . Heart vs mind, otra entrega de perfectas canciones de pop , con recuerdos a country alternativo . En una primera audición hay canciones que recuerdan mucho a algunas de Josh Rouse, Ryan Adams ,Elliot Smith, o los Wilco más campestres, pero tras un par de vueltas en torno al disco se acaba por percibir una forma muy personal de escribir e interpretar canciones.
Estepa se apunta como su admirado Rouse a la modalidad de crowdfunding para financiar sus productos. Auqnue Indiana ha editado su album en CD, Estepa ofrece la posibilidad de realzar una edición en vinilo con CD incorporado por 35$, pero hay un amplio abanico de posibilidades a través de esta curiosa modalidad de producción: ver tu nombre incluido en el disco con dos bonus tracks ( 60$), una versión añadida de tu canción favorita interpretada por él con dos entradas para su próxima gira ( 150$) y hasta la posibilidad de un concierto en casa ( imagino que será en los alrededores de Sidney porque si no estaría disponible para los imbéciles que salen en los repugnantes anuncios de la Primitiva).
En cualquier caso el hecho de que artistas así tengan que recurrir a tales sistemas de financiamiento da una cierta idea de lo complicado que se ha convertido hacer múisca para la gente que no llena el Vicente Calderón cada vez que viene a España. Afortunadamente tiendas imprescindibles como Radio City siguen aguantando el diluvio, y artistas como Bryan Estepa siguen publicando sus hermosos discos. Sí, ya sabemos que las compañías discográficas son la cara musical del crimen, que es abusivo el precio de los discos ( pero no del fútbol o de la tapa de jamón de cebo vendida como bellota), al igual que el de los libros que apenas nadie lee ya. Seguiremos descargando a saco los trabajos de nuestros artistas favoritos, o los más elegantes escuchándolos en Soptify, mientras los creadores modestos ( no hablo de Springsteen, los Rolling o Coldplay) siguen buscando limosnas para poder editar esos discos que luego no dejamos de escuchar.
Mientras pueda, seguiré entrando en tiendas como Radio City, Toni Martin, Revolver o Marcapasos para comprar algo que me alegre la mañana

Babosos

Cuando estudiaba BUP no era difícil tropezarse en el colegio o el barrio con algunos de los que luego adquirirían fama y fortuna en alguno de los grupos de la Movida madrileña. En los años de esplendor de ésta, empezó a propagarse una maliciosa clasificación de los grupos de aquella época en dos categorías: a un lado estaban los autocalificados “Modernos”, centrados en el punk o el tecno, representados por gente como Parálisis Permanente, Alaska y sus Pegamoides, Derribos Arias o Glutamato Yeyé. Precisamente los líderes de éstos últimos( Poch e Iñaki Fernández) fueron los responsables de acuñar, según parece , el despectivo término con el que se identificó a los grupos más cercanos al pop: “Babosos” , y cuyos representantes más emblemáticos eran Nacha Pop, Mamá y Los Secretos . O con otras palabras Antonio Vega, José María Granados y Enrique Urquijo , tres de los compositores más brillantes del pop español de todos los tiempos. Había una diferencia importante también en aquellos tiempos entre los dos bandos: mientras los “babosos” tenían una cierta destreza con los instrumentos, los “modernos” en aquella época apenas sabían tocar., lo cual no era un inconveniente especialmente importante para tener éxito ( ver alguna de las actuaciones de la Parálisis Permanente de Eduardo Benavente da una idea de ello). El viernes pasado la 2 de TVE pasaba un documental de aquellos años , donde una vez más se revisan las andanzas de grupos de trayectoria tan “regular” como Ejecutivos Agresivos, Aviador Dro y sus obreros especializados , Las Chinas o Flash Strato. A los “babosos” apenas se les daba bola, como suele ser habitual.
Años despuész, cuando los Secretos grababan en Dro, el jefe de producto de ésta , enseñó a Enrique Urquijo la versión de su “Quiero beber hasta perder el control” que Fito y los Fittipaldis habían hecho. Enrique contestó : ¿pero no éramos unos babosos?
El sábado pasado volvieron a tocar los Secretos en el Manuel de Falla de Granada. Hace ya 13 años que lo hacen sin Enrique. Su hermano Alvaro recordó una vez más como fueron despedidos de su discográfica por hacer una canción como No me imagino. Una canción demasiado poco comercial para aquellos tiempos de sintetizadores , con un elegante aroma country , al que contribuían las colaboraciones de algunos de los integrantes de un grupo de bluegrass olvidado ( Foiegras), del que ficharon a su guitarrista: Ramón Arroyo, posiblemente uno de los mejores guitarras que actualmente existen en España.
Sin apenas publicidad , llenaron una vez más el auditorio. A lo largo de más de dos horas fueron interpretando algunas de las canciones de su interminable repertorio, construido a lo largo de 33 años. Cierto es que desde que desapareció Enrique en aquel portal maldito de Malasaña perdieron parte de su genio. Pero , pese a todo, siguen teniendo la precisión de un reloj suizo a la hora de tocar cualquiera de sus canciones. Al presentar A Tu lado, Alvaro Urquijo describía el recorrido habitual de cualquiera de las canciones del grupo: apenas radiada en el momento de su lanzamiento, sin publicidad del video clip destinado a promocionarla, acaban por introducirse en tu cerebro como una gota malaya, de forma que cuando empiezan a sonar sus acordes, es difícil no recordarla entera, y lo que es aún más importante, asociarla a algún momento de tu vida.

Tal vez la desgracia de los Secretos fue optar por un estilo musical sin tradición alguna en este país. Influencias como The Byrds, The Pure Praire League, Gram Parsons ( impresionante las versiones de su Hickory Wind que alguna vez hicieron) , Crosby Stills Nash &Young o Jackson Browne (quien colaboró en varios de sus discos) los convirtieron en un grupo de Americana en una época en la que este tipo de música apenas se apreciaba .
Como dijo Diego Manrique el día después de la muerte de Enrique:
“De Los Secretos se dijo que era un grupo misógino, un conjunto llorón que hacía pop baboso. Como siempre, se confundía la apariencia exterior y la envoltura formal con la realidad de un repertorio de hiel, rebosante de relaciones frustradas, angustias nocturnas, almas a la deriva. Prácticamente todo el repertorio que firmaba Enrique Urquijo -y buena parte del escrito con su hermano Álvaro- retrataba a un romántico con más capacidad para hundirse en la desolación emocional que dispuesto a comprender, a pactar, a luchar“.
Pese a todos ahí siguen. Acabando sus conciertos con versiones de Roxanne o del Stay de Maurice Williams en versión de Jackson Browne. Ayer busqué alguna crónica en los periódicos locales de su concierto. Como esperaba no había noticia alguna. Estaban demasiado ocupados informando del concierto de Rosa de Armilla.

Dominique o hasta que el cuerpo A(guante)

(Crónica del concierto de Dominique A el 22 de enero en el auditorio Edgar Neville de Málaga por Maite Cruz)

je ne t’ai jamais dit
mais nous sommes immortels

pourquoi es tu parti
avant que je te l’apprenne

Le savais tu déjà
avais tu deviné
que des dieux se cachaient
sous nos faces abimées

tous les baisers reçus
savais tu qu’ils duraient
qu’en se mordant la bouche
le gout en revenait

et qu’il y avait du sang
qui ne sècherait pas
tu me donnais la main
pour boire de ce sang là

je ne t’ai jamais dit
mais nous sommes immortels, immortels, immortels

as tu pensé parfois
que rien ne finirait
et qu’on soit là ou pas
quand même on y serait
et toi qui n’est plus là
c’est comme si tu étais
plus immortel que moi
mais je te suis de près

je ne t’ai jamais dit
mais nous sommes immortels, mimortels, immortels

Les Immortels. Dominique A

Dominique A(né), Dominique A(uténtico), Dominique A(sombroso), Dominique A(zul). “Vers le bleu”, triste y melancólico, este músico francés te lleva de la mano “hacia el azul” de su particular océano. Cuando Dominique sale al escenario y coge el mástil de su Telecaster se vislumbra ya ese “monstruo” que sólo algunos llevan dentro. Primero sorprende su físico. Alto, rapado, y fuerte, tipo rudo que te lo encuentras por la calle con un chandal y piensas que es portero de una discoteca. Pero aguarda un poco, escucha su voz, observa como su cuerpo se mece o electriza según la musique, ¿cómo alguien que golpea así su guitarra puede dibujar música en el aire? ¿cuántas manos tiene Dominique A?

Todos los críticos dicen que es inclasificable, (qué seguros nos sentimos cuando clasificamos) pues bien: es la tercera vez que admiro en directo a este “inclasificable” músico francés. La primera, fue interpretando sus canciones desnudas en el Planta Baja (otra vez¡) de Granada. Era el año 2004, no lo había escuchado jamás, pero solo su voz, un par de guitarras y unos más que cuidados samples, bastaron para cautivarme. Después repitió en el 2010 , y tres años más tarde, ha regresado para presentar su último disco “Rendez-nous la lumière” (Dadnos la luz) en una maratoniana gira por teatros y salas de España que le ha llevado a ofrecer doce conciertos en apenas catorce días.

Si bien este último trabajo trata del contacto con la naturaleza y la luz, el sonido en directo se deja de pajarillos y flautas: es eléctrico y contundente. No tengo ni idea de francés pero si lo suficiente para escuchar la palabra “lumiere” en media docena de ellos, luz, luz, luz… y es cierto que puede ser éste su disco más luminoso y quizás por ello más cercano.

Si su música es luz y agua, él es puro magnetismo. Con unas letras exquisitas, sus grabaciones te pueden gustar más o menos, pero su directo es demoledor. El sonido es excelente, puro, muy compacto, nada sobra, nada falta. El joven guitarrista Thomas Poli (guitarrista también de los indies Montgomery) sorprende por su colección de guitarras y su buen hacer en el escenario. Después de preguntarte como carajo habrá podido enfundarse en esos vaqueros tan ajustados, el americano Jeff Hallam, no solo es un excelente bajista sino que demuestra haber sido bailarín en otra vida.

Empieza el concierto con “Plaine des Sables”, le sigue “Contra un Arbre” y “Le sens” de su album “La musique”. Después la brutal “Bowling” de “Tout sera comme avant” y cuando toca “Vers le Blue”, te das cuenta que podría terminar ya el concierto porque estás tan saciado como después de una buena cena. Pero entonces viene el segundo plato, y suena “Le courage des oiseaxus”, la fantástica “Hasta que el cuerpo aguante”, “La Peau” y el viaje transoceánico en el que te sumerge “L´Horizon”. Pero… aún queda el postre: “Les Immortels” y “Rendez nous la lumiere”. Dominique termina con una reivindicación nada pretenciosa “no pido la luz solo algunas luces”. Apaga y vámonos.

Dominique se expresa en un más que correcto español, esfuerzo de agradecer ante la imposición del inglés como idioma universal y el escaso o prácticamente nulo interés que muestra cualquier grupo o artista que cruce nuestras fronteras.

Con toda su discografía recién reeditada, el francés acaba de publicar también el libro “Regresar” un viaje al pasado y a su infancia. Según parece lo que le llevó a componer música fue su estatus de hijo único que le hacía sentirse tremendamente aburrido. Algún día habrá que reflexionar sobre los músicos metidos a novelistas, y si eran todos hijos únicos. Sólo por citar algunos, los españoles Julio de la Rosa, Sr. Chinarro , y Santi Balmes … han publicado novelas en los últimos dos años.

En un momento del concierto y con reminiscencias que me suenan al título de una hermosa novela de Murakami (“Al sur de la frontera al oeste del sol”), Dominique susurra que “no solo el viento viene del oeste, el amor también”. Cuando en una entrevista recientemente publicada en la Vanguardia le preguntan que qué le pide a este recién estrenado 2013, es contundente: “lo mismo que los 43 años atrás: amor”. Dominique A (mor).

 

10 discos de 2012

10 discos de 2012

No hay lista que se precie de 2012, desde Rolling Stone a The Guardian, NYT o Mojo que no incluya en su ranking los último discos de Tame Impala, Frank Ocean, Jack White, Bob Dylan o Bruce Springsteen. No discutiré yo sus méritos, pero a mi me emocionaron especialmente algunos otros, que no salieron en (casi) ninguna clasificación. No serán los mejores, pero me alegraron el día en más de una ocasión. Por riguroso orden alfabético:
1.- Paul Buchanan. Mid Air. El regreso del cerebro de The Blue Nile después de muchos años de silencio. Como todos los suyos, un disco lleno de noche, soledad y silencio. Apenas un piano y una voz.

2.- Beachwood Sparks. The turneshid god. Country a través de un caleidoscopio. El grupo de los Angeles practica un country alternativo con dosis de psicodelia y una preciosas armonías vocales. Asprantes al trono que dejó el gran Gram Parsons.

3- Colorama. Good Music. El cuarto grupo del multiinstrumentista Carwyn Ellis es sencillamente el mejor disco de pop que he escuchado este año. Simplemente como dice su título, Buena música.

4.- Justin Townes Earle. Nothing’s gonna change the way you feel about me now.Ya lo comentamos en su día. Con esa pinta de hermano triste de Jerry Lewis, el hijo de Steve Earle, la leyenda del country publicó un disco con gran influencia morrisoniana, uno de los mejores de folk americano del año

5.-. Bill Fay.People is life. Un disco tan especial como la historia que encierra.

6.- Beth Orton. Sugaring Seasons.La inglesa que estuvo a punto de protagonizar el High Fidelity con John Cusack publicó uno de sus mejores discos, tras seis años de silencio. Un precioso disco , ideal para ver caer las hojas.

7- Van Morrison. Born to sing ( no plan B). A pesar de su mal carácter, la vuelta tras el silencio más largo de su carrera mereció la pena. Es el año del regreso de los abuelos por la puerta grande ( Womack, Cohen, Dylan, Fey), y el viejo león de Belfast volvió a donde más le gusta estar, en los terrenos que lindan con el jazz vocal . No es casual que lo publicara en Blue Note.

8.- Antonio Vega. Antes de haber nacido. Si no estuviera vivo posiblemente no lo hubiera elegido entre lo mejor del año. Pero será la oportunidad de poder elegir un disco con alguna canción inédita ( Antes de haber nacido) del mejor escritor de canciones del pop español. Aún da escalofríos escucharlo.

9.- M. Ward . A wasteland companion. Una de las debilidades de este blog. Estuvo por aquí, dejando muestra de que es un genio, ya sea en un estudio, un escenario o una emisora de radio

10- Bobby Womack. The bravest man in the World. Haciendo honor también al título, una de las leyendas del soul, a pesar de los rumores sobre el asedio del Alzheimer, se marcó un disco maravilloso, a la altura de sus mejores trabajos de los 60. Con producción de lujo de Richard Russell ( quien ya participó en el último disco de Gil Scott-Heron) e incluso colaboraciones de relumbrón ( lana Del Rey) , un disco corto con regusto largo.

Talent (o)

Beach Fossil es un grupo de Brooklyn que trabaja en ese baúl llamado Indie, donde últimamente cabe casi de todo. Inicialmente fue una banda unipersonal (¿) constituida por Dustin Payseur al bajo, batería, ritmos, percusiones y todo lo que sea menester. Al caer en las manos de la compañía del barrio ( Captured Tracks) el grupo unipersonal se convirtió en úuo al incorporarse John Peña al bajo, con el que grabó un EP , What a pleasure. Pero este fósil es efímero, y el culo de mal asiento de Peña se ha embarcado en un nuevo proyecto llamado Heavenly Beat , otro proyecto de un solo hombre.

Talent es un bonito ejercicio de bossa pasado por la túrmix de la electrónica, pero con gotas de soul y un lejano toque flamenco.

Escuché la primera vez Talent en el Secret Garden de Baltimore , y desde entonces me es difícil escapar de su talento cuando lo que apetece es simplemente escuchar un fondo de música tranquila, sugerente y elegante.

Peña no es un letrista, pero sus melodías acaban por quedarse a vivir en los rincones de tu cerebro. Ideal para templar días fríos.

Unidad de medida

Dentro del grupo de las maulladoras selectas del que abominan mis compañeros de despacho, Tori Amos representó siempre el papel de heredera natural de Kate Bush, aún en activo. Canciones sofisticadas, a veces relamidas y algo confusas, en ese terreno de nadie que queda entre el pop con aspiraciones, el jazz, la clásica y el folk. Porque la formación inicial de Amos fue esencialmente clásica, como brillante niña prodigio en el dominio de las teclas. Publica ahora su disco  número 13 , Gold Dust, disco que viene a ser una revisión de sus canciones ( ella no quiere llamarlo grandes éxitos) en el que vuelve a sus orígenes al apoyarse en una orquesta sinfónica para auto-versionearse. El primer disco que compré suyo fue el segundo, un interesante Under the Pink que incluía uno de sus mayores éxitos, aquella Cornflake girl.Y desde entonces la seguí con desigual interés.

Sus letras reflejan complejos tormentos sentimentales, teológicos o sociales, con una presencia muy habitual del sexo y la muerte, y de la que a veces dan muestra sus enrevesados títulos: Pequeños terremotos (1992), Extrañas chicas (2001), Poses de muñeca americana (2007), Anormalmente atraída por el pecado (2009), por no hablar de su interminable serie de Piernas y Botas.

Pero Amos cuenta fundamentalmente historias. Como en aquel Scarlet Walk construida a manera de novela cantada de las andanzas de Scarlett, la propia Amos de viaje a través de América, o en American Doll Poses, en la que inventa cinco mujeres inspiradas en la mitología griega (Tori, Clyde, Pip, Isabel y Santa).

De gira promocional por España, en las que participó en los Times Talk del New York Times  Amos hacía unas interesantes declaraciones a El Pais la semana pasada. Porque ella sigue siendo amante de los objetos a los que nos referíamos la semana pasada: a los libros de papel, competentemente encuadernados, a las  bibliotecas que adornan una casa, a las pequeñas librerías de barrio llenas de grandes tesoros, incluido el conocimiento enciclopédico de su tendero. Sin olvidar los equipos de música que no caben en un teléfono móvil, a los grandes baffles que afean la estética del salón, pero dan un envolvente sonido.

Para Amos los músicos pasaron de componer novelas a componer relatos breves, preparados para ser escuchados de forma independiente, en formatos de no más de 3 minutos. Quedaron atrás aquellos maravillosos trabajos conceptuales de cuarenta minutos, que respondían a una única trama . Discos como el The lamb lies down in Broadway de Genesis, The Dark side of the moon de Pink Floyd, The queen is dead de los Smiths, el Confessions of a Pop Group de Style Council, o el Mingus de Join Mitchell.

Ahora lo que se lleva es el estribillo resultón de tres minutos y medio para descargar en el iPhone.

Pero para mi Amos pasará a la historia no por sus discos, sino por inventar una nueva unidad de medida, infinitamente más importante que el metro, la libra, la hora o el euro. Para ella los 72 minutos de un disco doble ( o la duración de un buen compacto para los más acomodaticios) es el periodo mínimo necesario para mantener una relación con otra persona: no solo sexual ( que por supuesto también, que ya está bien de atracos), sino para albergar una buena conversación, degustando una buena botella de vino, y por supuesto sin interrupciones absurdas de mensajes de wassap.

Por lo tanto ya sabe: si quiere usted vivir como un ser humano y no como un absoluto imbécil desempolve aquel disco antiguo de su grupo favorito, colóquelo en el palto, apague todo tipo de artilugio telefónico, abra una botella y comience la conversación

Tarados veraniegos

Aunque siempre se recurre a los maestros cuando se habla de profesiones con vacaciones tan largas como las infantiles, pocos empleos son tan gratificantes como el de líder de opinión radiofónica. Ya seas Francino, Nierga, Herrera o compañía , en cuanto llega el día mundial del colegial ( que se celebraba en mi infancia allá por el día de San Juan), los tipos comienzan a hacer las maletas, ya nieve en junio o se derritan los polos. Se excusan en que andan preparando el programa de la siguiente temporada, argumento tan respetable como si cada cirujano dejara de trabajar en junio para perfeccionar las suturas del otoño.
Por desgracia los que no suelen tomarse vacaciones son sus tertulianos, quienes siguen impertérritos dando sus disparatadas opiniones sobre cualquier tema que se les ponga por delante, ya sean los incendios forestales o la efectividad de los medicamentos retirados por el gobierno. Entre ellos pocos como el incansable Losada, capaz de estar en tertulias mañana, tarde o noche, en castellano o gallego, hablando de Feijóo y de Assange ,de Messi o de Zara. Uno cree que este tipo de incansables expertos, o bien dicen lo primero que les pasa por la mente cuando se les pregunta, o bien no duermen nunca buscando argumentos para sus variadísimas opiniones.
Las vacaciones del “gran comunicador” van siempre asociadas a la llegada del esforzado meritorio que deja al frente del negocio. Por ejemplo, el mencionado Francino ha sido sustituido esta temporada por un asombroso individuo, capaz de ocupar más de media hora de programa nada menos que con Umberto Tozzi. Dado el escasísimo tiempo que la música ocupa los llamados “magazines” radiofónicos, uno esperaría un cierto esmero en la selección del grupo, cantante, canción o tema a tratar: hay mucho que contar y escaso tiempo disponible. Pero si el nivel en esta materia cuando está el locutor estrella suele ser similar al conocimiento musical de los dependientes de la sección de discos de El Corte Inglés ( donde es fácil encontrar a Tom Waits en la sección de flamenco), la situación suele ser delirante cuando aparece el suplente.
Para los jóvenes generaciones hay que señalar que el inefable Umberto Tozzi forma parte del grupo de “cantantes” en el sentido gallego del término: algo mucho más parecido al cuentista, al fullero o al timador que al respetable vocalista que nos emociona cada vez que escuchamos. Entra también en el selecto grupo de los intérpretes de letras complejas: su mayor éxito fue aquel “te amote-a-mo” que repetías sin descanso noche y día a principios de los ochenta, y cuya inefable letra decía lo siguiente:
te amo te amo te amo te amo te amo
y dame tu vino ligero
que has hecho mientras no estaba
y las sabanas de lino
dame el sueño, de algún niño que da vueltas
soñando con nubes déjame trabajar
hazme abrazar a una joven que plancha cantando
y hazte rogar un poco
antes de hacer el amor
Como se puede ver, auténtica poesía simbolista.
Pues bien, nada menos que a este individuo dedicaron su programa, sus absurdas preguntas y no menos sonrojantes alabanzas los reporteros de Hoy por hoy:
“Muchas de nuestras picas en Flandes con las mujeres se las debemos a Umberto Tozzi”
Dijo sin recato alguno el gacetillero de la SER.
Al sintonizar la emisora pensé inicialmente que estaba ante una sección de humor y paradojas, al comprobar que el amigo Tozzi se atrevía con todo descaro en el Here, there and everywhere de los Beatles, en versión karaoke de ejecutivos beodos, tal era su asombrosos desafine. El mismo debía ser consciente de su deplorable estado al comentar que esas horas ( las 11 de la mañana) no eran las más adecuadas para cantar, a lo que los eruditos periodistas justificaron diciendo que era perfectamente entendible, al ser en realidad las 11 de la madrugada para un músico ( sic).
Aún así, espoleado por las alabanzas del Reporter Tribulete &Cia,  el tal Tozzi se lanzó a cantar su horrible soniquete ( el mencionado Te amo-te) que tuvo que interrumpir a mitad de la canción al olvidar la letra, recurriendo a aquella inolvidable argucia de Fofó y Miliki del “nianananiaraaaa”. Situación chusca, que sería similar a que Massiel olvidara la letra de La-la-la, otro de los temazos de letras complejas.
Es decir , el único éxito que tuvo el tipo y se le olvida una letra hecha de ruidos.
Pues como lo cuento; allí se quedaron los dos ante su ídolo: como si hubiera pasado por el estudio de la Ser el mismísimo espíritu de Jimmi Hendrix.

(Fotografía: el inaudito Tozzi)