El “Azúcar ” moreno

 

Los olvidados y marginados salen de las tumbas en las que han estado arrinconados durante décadas. Ya hablamos aquí del largo camino hacia el reconocimiento de gente como Sugarman Rodriguez o Bill Fay. Hoy le toca el turno a otro ilustre ignorado: Shuggie Otis, alguien al nivel de un Curtis Mayfield o un Prince, que alcanzó su mayor éxito en la ajena voz de los Brothers Johnson, la mítica Strawberry Letter 23.

Si Sixto Rodriguez es el “azúcar latino” ( Sugarman), Otis es el “azúcar moreno” ( Shuggie, de azúcar también).Así le llamaba su padre cuando le llevaba disfrazado con tan solo trece años a los clubs nocturnos para que le acompañara en alguna de sus actuaciones.El niño era un prodigio y con apenas 15 años grabó en apenas una semana con Al Kooper un trabajo para la serie de Supersessions. Es decir, un antecedente de Michael Jackson pero con mucha menos publicidad. Con 17 tacos, BB King le consideraba el mejor nuevo guitarrista de la época, y se codeaba con la plana mayor del soul y el rythm’n blues ( Wilton Felder, George Duke, Quincy Jones, Frank Zappa, Sly and the Family Stones… ). El chico no solo tocaba bien la guitarra sino prácticamente todo lo que se le ponía por delante, de lo cual dio buena prueba en sus tres discos, en los que solo dejaba que le tocaran alguno de los instrumentos de viento.

Así las cosas , su primer disco del 69, Here comes Shuggie Otis fue la sensación del momento, a la que siguió el Freedom Flight de 1971, en el que iba dentro aquella carta de fresa 23 ( compuesta en honor de su novia de la época que escribía las cartas en papel de fresa) ,que sigue siendo una de las canciones capaces de animarte un día melancólico. Con  reconocimiento de crítica y colegas Otis se lo tomó con calma y obsesión y tardó tres años en rematar una obra de orfebre, Inspiration Information, donde sacaba a paseo su rica paleta de compositor de soul elegante, precursor de grupos de soft jazz ( Steely Dan tiene alguna que otra influencia del amigo). Uns obra maestra adelantada a su tiempo, y quizá a todos los tiempos.

A partir de entonces, fue todo silencio. Epic se cansó de su perfeccionismo, los Rolling dejaron de ofrecerle ofertas para incorporarse a la banda, y el niño prodigio se esfumó.

Colgados relumbrantes, como Prince o Lenny Kravitz le reivindicaron años después y hace un mes se editó de nuevo por fin, uno de los discos que más me ha costado conseguir: aquel Inspiration Information al que ( al igual que el disco de Steve Forbert) no solo incluye bonus track antológicos, sino un disco fantasma, que ha dado en llamar Wings of Love y que incluye material de todos estos años ( algunas de ellas difícil de digerir por cierto).

Dicen algunos que fue el alcohol, otros que fue el veto de las discográficas a un tipo con fama de raro. El además debe ser un rato vago para haber estado tantos años viviendo de los royalties de sus temas que sampelaban unos y canturreaban otros. En cualquier caso, un ejemplo más de talento desaprovechado. O de productos que guardábamos en el congelador y siguen siendo igual de exquisitos. Otra cosa es que a estas alturas el Azucar Moreno esté en condciones de sguir siendo lo que un día lejano fue

 

¿Sueñan los androides con música soul?

Es sabido que la novela corta de Philip Dick en que se basó Ridley Scott para su película Blade Runner (¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?), guarda pocas semejanzas con ella. Y no solamente en cuestiones menores, sino en aspectos tan sustanciales como el título (en la novela no aparece ni una sola vez el término Blade Runner para nombrar a los “liquidadores” de androides), o la esencia misma de ambas tramas. Lo cual no es óbice para que las dos se hayan convertido en clásicos de sus respectivos géneros. Ambas son una magnífica reflexión sobre la realidad y la ficción, el maltrato a los débiles (aunque estos sean artificiales), y la angustia ante la finitud de la vida, en un mundo apocalíptico producido por la guerra mundial terminal.

Isidore ( Sebastian en la película) es un tipo “defectuoso” genéticamente, al que no se deja salir de un planeta Tierra  en disolución ante el temor de que contamine con sus taras al resto de la especie. Isidore cobija en su apartamento, perdido en un edificio casi abandonado, a tres de los androides más sofisticados que ha construido el ingenio humano: el mítico Roy Batty , Irmgard y Pres, quienes conviven durante un tiempo con Isidore a la espera del encuentro con su exterminador.

En un edificio cada vez más solitario, en un apartamento sombrío al que asedia el polvo radioactivo que contamina toda la ciudad, esperan un destino incierto cuatro seres, un humano y tres seres artificiales, más perfectos que el humano: qué pensarían, a que dedicarían tantas horas, qué disco escucharían para pasar el rato…

Es posible que Dekkard, el caza recompensas, escuchara a Josef Strauss. Pero lo que es seguro es que aquellos androides escucharían a James Blake, un tipo que explotó en 2011 con aquel disco homónimo que acabó convirtiéndose en uno de los discos del año  en cualquier clasificación de relumbrón. Aquella extraña mezcla de dubstep y soul generaba una sensación de atracción y distancia quizá parecida a la que tendría el liquidador Dekkard ante Luba Luft , la androide que cantaba ópera. Algo que chirriaba en los oídos de alguien que sigue creyendo que no es androide. Pero que a la vez no podía dejar de reconocer la belleza que escondía una versión como la que Blake hizo de la maravillosa Limit to your love de Feist.

Blake vuelve a las andadas con un segundo disco largo, Overgrown. Escribe, interpreta y produce desde el salón de su casa. Mucho talento para un tipo que apenas tiene 20 años. No sorprende tanto como el primero, pero sigue siendo una manera extrañamente atractiva de escuchar soul , en un mundo que se derrumba.

Para un androide Blake posiblemente sea  la música perfecta. Queda por saber si el mismo no es uno de ellos.

 

 

Richie volvió a sus raíces

 

 

 

La primera vez que vi a Richie Havens fue en el antiguo cine Covadonga de la calle López de Hoyos en Madrid: echaban Woodstock en una de esas sesiones dobles  que hoy día serían sencillamente imposibles. Una sala oscura, de sillas incómodas, y un grupo de colgados capaces de tragarse sin wasapear dos películas de festivales musicales.

No conocía de nada al pavo, pero me dejó impresionado  esa forma tan peculiar de aporrear su acústica, a la que destrozó a púazos  en solo una canción, Freedom, capaz de levantar al auditorio del festival en la primera canción del mismo. Literalmente empapado en sudor.

Me pareció tan fascinante el personaje que acudía a mi proveedor de vinilos de la época a ver que tipo de material tenía disponible. Y así me compré la alarma del reloj ( Alarm Clock) en el que aparecía a la manera de un ayatola empuñando una guitarra subido a una peana en medio del campo. Siempre pensé que el tal Jomeini se inspiró en havens  cuando tuvo que elegir su look.

Seguí sus evoluciones en discos posteriores y anteriores ( el fantástico Stonehenge), de ese estilo a mitad entre el folk- soul acústico (precursor de exquisitos modernos como  Amos Lee) y el funk erudito, en los  que siempre dejaba caer alguna versión maravillosa de sus admirados Beatles ( el Here Comes the Sun de Alarm Clock, el Eleanor Rigby de Mixed Bag ),Bee Gees ( I started a joke) o Bob Dylan ( Just like a woman).

Richie Havens solo tuvo un pelotazo, el Going back to my roots de finales de los 70 , que llenó las pistas de bailes de aquellos años en que era posible encontrar a tipos respetables en semejantes garitos. Una maravillosa canción de ritmo progresivamente infernal , como le gustaba a Richie.

En los 80 cayó en el olvido. Esas radios tan maravillosas del grupo PRISA lógicamente no tenían hueco para orfebres de esta catadura. Su Wishing well de 2002 , una maravilla, lo compraron cuatro gatos, y lo escucharon dos más. Incluía una versión impresionante de On The road to calvary de otro grande, que había aprendido seguro de él: Willie Nile.

Después apenas algún recuerdo de algún admirador con influencias como Sean Penn que consiguió que interpretara de nuevo su famoso Freedom en la inauguración del festival de Cannes cuando fue presidente del jurado. Un disco postrero el Nobody Left to crown, algunas actuaciones de rememoración, versiones poderosas como el Circle be unbroken de la Nitty Gritty Dirt Band y achaques que le llevaron al quirófano primero y a despedirse de los escenarios desde su Factbook hace poco más de un mes.

Murió el lunes. Nos queda mucha música y muy buena , para no olvidarle.

 

El ilustre escudero

Geraint Watkins pasó por Madrid. Tocó en el Sol el pasado viernes .En compañía de Winning, Radford e Irwin. Otras veces fue él el que acompañaba a otros. La última vez mano a mano con otro grande, Nick Lowe , apabullante concierto del que informamos en su momento.

El nombre de Watkins tal vez diga poco a mucho gente. Pero en vez de hacer un panegírico con todas sus referencias, simplemente abra usted Spotify y escuche detenidamente In a bad mood su disco de 2008. Un tipo al que se rifan gente de gusto tan exquisito como Van Morrison, Eric Clapton o sus diabólicas majestades. De los escasos a los que piropea el enanito gruñón, maestro  Dylan. En palabras de su amigo Nick Lowe , que le conoce bien, el eslabón perdido entre Paolo Conte y Howling Wolf. Quizá porque no hay estilo musical que no controle: desde el rock’n roll clásico de sus inicios, al soul, rythm’n blues, country, jazz e incluso música cajun , casi cualquier licor puede encontrarse en los cócteles que prepara.

Anda ahora presentando un disco curioso, en formato de EP con dos partes diferentes, Mosquito. Pero sobre todo Watkins es un músico solvente. De esos que dan a cualquier grabación en la que él participe la solidez necesaria para que el genio de turno construya sus filigranas.

En abril se espera de nuevo el paso por Madrid de Lowe. Quieran los astros que lleve con él a Watkins atrincherado tras su teclado. Gente como él hacen que la música siga siendo grande

 

10 discos de 2012

10 discos de 2012

No hay lista que se precie de 2012, desde Rolling Stone a The Guardian, NYT o Mojo que no incluya en su ranking los último discos de Tame Impala, Frank Ocean, Jack White, Bob Dylan o Bruce Springsteen. No discutiré yo sus méritos, pero a mi me emocionaron especialmente algunos otros, que no salieron en (casi) ninguna clasificación. No serán los mejores, pero me alegraron el día en más de una ocasión. Por riguroso orden alfabético:
1.- Paul Buchanan. Mid Air. El regreso del cerebro de The Blue Nile después de muchos años de silencio. Como todos los suyos, un disco lleno de noche, soledad y silencio. Apenas un piano y una voz.

2.- Beachwood Sparks. The turneshid god. Country a través de un caleidoscopio. El grupo de los Angeles practica un country alternativo con dosis de psicodelia y una preciosas armonías vocales. Asprantes al trono que dejó el gran Gram Parsons.

3- Colorama. Good Music. El cuarto grupo del multiinstrumentista Carwyn Ellis es sencillamente el mejor disco de pop que he escuchado este año. Simplemente como dice su título, Buena música.

4.- Justin Townes Earle. Nothing’s gonna change the way you feel about me now.Ya lo comentamos en su día. Con esa pinta de hermano triste de Jerry Lewis, el hijo de Steve Earle, la leyenda del country publicó un disco con gran influencia morrisoniana, uno de los mejores de folk americano del año

5.-. Bill Fay.People is life. Un disco tan especial como la historia que encierra.

6.- Beth Orton. Sugaring Seasons.La inglesa que estuvo a punto de protagonizar el High Fidelity con John Cusack publicó uno de sus mejores discos, tras seis años de silencio. Un precioso disco , ideal para ver caer las hojas.

7- Van Morrison. Born to sing ( no plan B). A pesar de su mal carácter, la vuelta tras el silencio más largo de su carrera mereció la pena. Es el año del regreso de los abuelos por la puerta grande ( Womack, Cohen, Dylan, Fey), y el viejo león de Belfast volvió a donde más le gusta estar, en los terrenos que lindan con el jazz vocal . No es casual que lo publicara en Blue Note.

8.- Antonio Vega. Antes de haber nacido. Si no estuviera vivo posiblemente no lo hubiera elegido entre lo mejor del año. Pero será la oportunidad de poder elegir un disco con alguna canción inédita ( Antes de haber nacido) del mejor escritor de canciones del pop español. Aún da escalofríos escucharlo.

9.- M. Ward . A wasteland companion. Una de las debilidades de este blog. Estuvo por aquí, dejando muestra de que es un genio, ya sea en un estudio, un escenario o una emisora de radio

10- Bobby Womack. The bravest man in the World. Haciendo honor también al título, una de las leyendas del soul, a pesar de los rumores sobre el asedio del Alzheimer, se marcó un disco maravilloso, a la altura de sus mejores trabajos de los 60. Con producción de lujo de Richard Russell ( quien ya participó en el último disco de Gil Scott-Heron) e incluso colaboraciones de relumbrón ( lana Del Rey) , un disco corto con regusto largo.

Adiós Fontella

Su nombre apenas dice nada a nadie. Pero posiblemente todo el mundo haya escuchado alguna vez su canción. Y digo su canción porque Fontella Bass es de esas artistas asociadas a una única canción, como Juan Rulfo está asociado casi exclusivamente a una novela, Pedro Páramo.

La canción es Rescue me, un himno soul habitualmente atribuido a Aretha Franklin, y que durante mucho tiempo Fontella batalló para que se reconociera su autoría. Bass murió el miércoles en la ciudad donde nació, Saint Louis ( Missouri) de un ataque al corazón.

Fontella se inició en el gospel, acompañando a su madre al piano con solo 5 años, buena muestra de la precocidad de su talento. Paradójicamente sus primeros pasos en el Rythm’n blues lo hizo como pianista , en el grupo de Oliver Sain. Una noche en que el solista habitual de Sain, Little Milton no pudo actuar, Fontella tomó el mando. Rápidamente se dieron cuenta del talento que la chica escondía. Sin embargo,y a pesar de ser una de las mejores voces del soul de los 60 apenas tuvo éxito, el bombazo fulgurante pero único de Rescue Me.

 Buena parte de su vida estuvo condicionada por las idas y venidas de su marido, el inolvidable Lester Bowie, con el que se trasladó a Paris en 1969 , escondrijo de buena parte de la armada extranjera del jazz americano que tan bien reflejó Bernard Tavernier en su Round Midnight.

Cuando volvió a Estados Unidos apenas un par de discos, el Free de 1972 y A Family portrait of faith, un retorno al gospel con la familia . El resto del tiempo Fontella lo dedicó a criar a sus cuatro hijos

Un día Fontella escuchó su voz en la televisión cantando Rescue Me. Asombrada comprobó que su canción estaba siendo utilizada por American Express en una de sus campañas publicitarias, sin autorización alguna por su parte. Si ya había litigado por la autoría de la canción que la dio fama, volvió a hacer contra el uso abusivo que hacen las empresas con el talento ajeno. Al final ganó Fontella, algo más de 50000 dólares de indemnización. Que barato le sale a las grandes empresas el bandidaje.

El excursionista de la noche

Cuentan que en una reyerta perdió el dedo anular de un disparo, por proteger a su amigo de la infancia Ronnie Barron, teclista mercenario que tocó con muchos de los grandes desde Tom Waits a Canned Heat. Con un dedo menos tuvo que buscarse otro instrumento: primero recaló en el bajo antes de asentarse definitivamente en el piano, que ya le acompañó sin descanso durante el resto de su vida.
Se llama Malcom John Rebennack Jr, pero todo el mundo le conoce por Doctor John.
Tras labrarse una reputación en Los Angeles en la década de los 60, comenzó a alcanzar el éxito por su peculiar cóctel musical que oscilaba entre el rock psicodélico tipo Jefferson Airplane y el boogie woogie con gotas de vudú ( de hecho su mote parece proceder de una de las chanzas de este mundo oscuro , de donde adoptó el sobrenombre de Dr. John, the night tripper)
La trayectoria posterior del Doctor puede considerarse una versión musical de la vida de Forrest Gump, con la diferencia de que su relación con los dioses del olimpo musical no fue obra del montaje sino de la admiración que el amigo del vudú producía en los más grandes: fue músico habitual de los Rolling, produjo A period of transition de Van Morrison, participó en algunas de las más importantes películas de la historia de la música ( The Last Waltz de Scorsese, o The Blues Bros 2000) y se codeó con la flor y nata del negocio desde James Taylor a Lou Reed.
En definitiva, un portento. Quien se acerque a él por primera vez no debería perderse alguno de sus primeros discos como Gris Gris, Dr John Gumbo o el inolvidable Right place.
Buena parte de su éxito se lo debe a otro de los grandes de Nueva Orleans, su ciudad: Allen Toussaint, quizá uno de los productores más influyentes de los últimos treinta años.
Este año al ya veterano doctor le fueron a buscar los chicos de moda, la pareja de The Black Keys. Uno de sus mayores fans es precisamente Dan Auerbach, el lider de este grupo, quien se enganchó al maestro en una de las jam session que gusta de practicar en las giras. Pasados unos meses los dos se fueron a Nashville para grabar Locked down, tal vez uno de los discos del año. Porque la mezcla de los dos talentos dio sus frutos, y sin perder las señas de identidad de Rebennack se encuentran trazas del olfato musical de Auerbach: blues, rock psicodélico, y funky guarrón junto a las guitarras sucias de los Black Keys. Ahí les tienen….

Norah, la vengativa

 

Miriam, that such a pretty name
I’m gonna say it when I make you cry
Miriam, you know you don’t be wrong
I’m gonna smile when you say goodbye
Now I’m not the jealous type ever been the killing kind
But now I know what you did
So don’t put up a fight
Miriam, when you were having fun
In my big pretty house did you think twice?
Miriam, was it a game to you?
Was it a game to him? Don’t tell me lies
I know he say it’s not your fault
But I don’t believe that’s true
I’ve gonna ask him for me to leave
Now I’ve safe best for you
And I try not to hurt you
Cause you might have be that bad
But it takes a lot to make me to go this mad
Oh Miriam, that such a pretty name
And I’ll keep saying it until you die
Miriam, you know you don’t be wrong
I’m gonna smile when you say goodbye
You know you don’t me wrong
I’m gonna smile when I take your life…

I’m gonna smile when I take your life…El verso deja lugar a pocas dudas. Desconocemos quien es Miriam; pero imaginamos cual fue su pecado y sabemos con certeza quien escribió la letra: se llama Norah Jones.

Dicen que la venganza se debe servir fría, y algo de esa frialdad rencorosa parece esconder el último disco de la neoyorquina, de título poco equívoco: Little broken Hearts.

Desconocida hasta el 2002, salvo por ser la hija (muy poco atendida por lo que parece), del famoso sitarista Ravi Shankar, Jones sorprendió entonces a medio mundo con un disco aterciopelado llamado Come away with me, en el que mezclaba de forma elegante un cuidadísimo pop con toques exquisitos de soul, y jazz. Una especie de Sade del siglo XXI pero del otro lado del Atlántico. La apuesta de la Blue Note por encontrar una nueva estrella.

Tanta expectación generó aquel disco que desde entonces ha tenido que luchar contra su propio fantasma, el volver a estar a la altura de aquel trabajo, maldición que persigue a aquellos cuyo primer disco es un gran éxito. Sus dos siguientes discos , Feels like home como Not too late, evolucionaron suavemente hacia la música que escuchó durante buena parte de su adolescencia, el country, y que practicaba con el grupo paralelo en el que también estaba su novio: Lee Alexander. En 2.009 dio un nuevo giro introduciendo guitarras mucho más afiladas, en un disco mucho más cercano al rock, The Fall, en el que rompía bastante su imagen de chica dulce y modosita (
If I touched myself the way you touched me,If I could hold myself the way you held me,then I wouldn’t need you ”). Pero seguía sin dar con la tecla que gustaba a la crítica.

Little broken hearts continua hurgando en el tema del desamor, de la ruptura y la traición. Apoyándose en la producción de Danger Mouse ( el productor de Black Keys), compuso con su colaboración una canción de ritmo pegadizo (Happy Pills) que hablaba de cómo dejar al amante para lanzar el disco,  y encontró en la decepción amorosa el hilo en el que ir ensartando la ristra de canciones despechadas que constituyen el tema casi monográfico del disco ( Little broken hearts, 4 broken hearts, say goodbye,…).

La carta con la que amenaza a la misteriosa Miriam es un buen broche final a tanta traición, otro caramelo envenenado envuelto en unos arreglos francamente amenazantes. Ella alegaba en el Pais que la canción salió así pero que no era nada personal, una simple historia más. Pero imaginamos que Miriam no debe dormir muy tranquila, allá donde se encuentre.

Adele y Weller, la extraña pareja

 

A pesar de su cara de pocos amigos, Paul Weller siempre ha reconocido el talento ajeno, aunque en ocasiones eso le costara la incomprensión de sus propios seguidores. En aquellos años lejanos de The Jam, cuando eran uno de los buques insignia del punk, raro era el disco o concierto en el que no acababan con algún clásico del soul americano, ya fuera el Midnight Hour de Wilson Pickett (incluido en This is the modern World ), o el Heat Wave de Holland-Dozier&Holland ( último corte de Settings songs). El soul, siempre el soul.

No es de extrañar por eso que su radar no dejara pasar el talento del nuevo soul británico, y en especial a dos de sus más brillantes promesas. La primera ya se fue para no volver: Weller grabó con  Amy Weinhouse una conmovedora versión del clásico de Etta James Don’t go to the strangers, en el que su voz, mucho más limitada, es capaz de mantener un desafío emocionante.

La otra grande es Adele. Diego Manrique escribía un artículo sumamente ilustrativo de lo que es la televisión pública española en El pais el viernes último. A pesar de que la música está en todos partes, no existen programas dignos de música en ninguna cadena de televisión española. Más allá de las referencias penosas sobre conciertos que dan los telediarios los viernes para informarnos de que llegó el fin de semana.

Como demostración de que hay otros mundos, pero están en este, la BBC lleva décadas grabando en las mejores condiciones a los más variados y reputados artistas de las islas. El canal 6 de la BBC grabó en diciembre de 2008 una pequeña sesión de Adele con Paul Weller, en los míticos estudios de Maida Vale, que incluía cinco joyas: Hometown Glory (grabado por Adele),Invisible ( grabada por Weller) y tres temas más.

El primero es el primer gran éxito de Adele en su 19, Chasing pavement, una  maravillosa canción, por la que Weller siempre mostró asombro, quien lo consideraba uno de sus discos favoritos de aquel año .Eso sí, hay que tener valor para intentar disputarle un estribillo semejante a Adele.

El segundo es un clásico de Weller, You do something to me.

Y para acabar, nada mejor que Need your love so bad, el clásico del blues que conviertieron en oro los Fleetwood Mac.Impresionante.

Si uno de los marcianos que aterrizaron en su pueblo , Woking, en la famosa novela de HG Wells , tuviera que elegir un músico por cuyas venas circulen a la vez todos los estilos musicales del último siglo ( rock, blues, soul, jazz, punk, pop, acid…) sin duda elegiría  a Paul Weller. Aunque la base de la mezcla sin duda es negra.

La hija del Gordo de Minnesota

Para algunos pudo haberle disputado el trono de reina madre del soul si no llega a ser por su nefasta adicción a la heroína. Y puede que sea cierto si un escucha los últimos discos de Aretha y los compara con el último de Etta James, The dreamer, publicado haca apenas unos meses.

Etta representaba a su modo el lado oscuro de este tipo imprescindible de música. Aunque era mestiza ( hija ilegítima de una negra del ghetto de Los Angeles y de un italiano), encarnaba como pocas el raspe lijoso del buen soul. Tal vez por eso, el correcto Obama eligió para interpretar At last a Beyoncé en su toma de posesión en la Casa Blanca, en vez de invitar a la artista que la hizo célebre. Etta era mucha Etta. Y Beyoncé en cambio representa a la perfección ese paradigma de glamour y corrección política tan valorado ahora, quien la interpretó en Cadillac Records , la película sobre los años dorados del sello Chess.

Etta era una cantante, no una compositora. En eso se parecía otras grandes, desde Ella Fitzgerald a Lady Day ( una de sus grandes influencias…¿y de quien no?) Pero sabía pescar buenos peces en muy distintos caladeros. El último fue el de un grupo matraca, Los Guns N’s Roses de , de cuyo Welcome to the jungle incluyó una estupenda versión en The Dreamer

Ella aseguraba que su padre era el Gordo de Minnesota, aquel legendario jugador de billar a quien desplumaba Paul Newman en la imprescindible el Buscavidas, de Robert Rossen. Nunca lo sabremos.

Tampoco nos importa. Si importa su música. Y su permanente resistencia  a un cierto tipo de autoridad. Solo por aquel Roll with me Henry ( revuélcate conmigo Enrique) que grabó con apenas 15 años,  merece un lugar en el olimpo.

El viernes murió de leucemia, Siempre quedarán sus discos. Ayer la Madeja de Radio 3, recordaba quien fue

Fotograma de The Hustler ( El Buscavidas) .